Por Andrés Abreu

Un Arco iris gigante y curvo que brota tal vez de una gota de agua en el sol tropical. Un crisol cargado de la cultura afroantillana que luchó por negarse a olvidar su herencia africana y renegar de la española y que se impuso a fuerza de persistir en ser ella misma.

Un canto en la noche y el día de los cueros del tambor soltando al viento música y ritmo enloquecedor de caderas y movimientos exóticos, capaces de despertar al mas muerto de todos los muertos de la tumba.

Sale de su pincel, esa voz que forjó una cultura que se abrazó a los tiempos sin perder su brillo y su olor y cruzó siglos y montañas hasta llegar a estos lugares donde nunca nadie humano pudo imaginar.

Picardo es un luchador, un quijote colgado del aspa de un molino de viento, demostrando que es posible imponerse a la incultura, el segregacionismo racial y la mentira; al nacionalismo a ultranza de quienes reclaman una hipócrita igualdad que solo es real cuando se circunscribe a sus parámetros.

Tras décadas de arribar a Michigan, donde el sol es ajeno a los cocoteros y la playa, y actuar como un embajador de la cultura de su país, República Dominicana, allende el mar, ha logrado plasmar sus sueños de colores en las paredes y ladrillos donde nadie sospechó el trópico, salvo en catálogos para turistas en los que el Caribe es solo paisaje, y nunca lagrimas que consume la tierra junto a la lluvia y las penurias.

Los artistas como Picardo tienen como profesión la de ser héroes, como lo fueron otros grandes creadores.  Sobrevivir a la adversidad y esperar que la sociedad que suele negarse a si misma, aprenda a aceptar su realidad, la que él ha puesto como espejo en las paredes.

Para Picardo el arte no tiene muros, tiene canvas, cualquier forma de expresión del pensamiento es valiosa, desde un disfraz de carnaval dominicano hasta el tambor que trae a la vida la piel de un caprino.

Para él, la ausencia de lienzo no es una excusa para abstenerse de la creación.  Un cartón, una pared de ladrillos que asuma los colores del acrílico o el oleo, son suficientes.

Solo faltan el encargo y el permiso.  Picardo lucha para agarrar esos contratos que mas que dinero para subsistir, le aseguran continuar con la misma inspiración con que comenzó.

Dicen que para un milagro solo hacen falta el sol y el barro, pero para picardo hace falta algo mas: el color.

Conversamos con él, y nadie mejor que él puede decir lo que late en cada lienzo donde yace su obra.

¿Cual de tus obras es la que mas te gusta y por qué?

Cada obra tiene una característica especifica de acuerdo con su contenido y la técnica empleada en su elaboración. Recientemente muchos de mis trabajos tienen un propósito estético o social ósea, que aluden metafóricamente a la realidad que nosotros los seres humanos vivimos.

Es un poco difícil decidir cuál o cuáles de mis obras serian mis favoritas, es como el caso de los hijos. Aunque parezca mentira existe uno que te roba el corazón. Podría asegurarte que mis trabajos realizados a finales de los años noventa marcaron una etapa importante en mi trayectoria; lo mismo sucede con mis trabajos recientes los cuales muestran una madurez interesante en esta nueva etapa de mi carrera.  

Háblame de tus épocas de pintor.  ¿Siempre has mantenido la misma línea o has tenido periodos diferentes?

En los años ochenta yo muestro una intención hacia al arte un poco en el ánimo de búsqueda de un encuentro con el “yo” y el tipo de obra. Es entonces cuando inicio la búsqueda de lo interesante en los grandes artistas Latinoamericanos radicados en Europa y sus expresiones artísticas. Toda la revuelta en el aspecto político y social que sucedía en la isla de la Republica Dominicana también influyeron en mis trabajos. Años más tarde, el encuentro con artistas locales de vanguardia cambia el rumbo en mi forma de expresión, entonces existe un vuelco hacia lo político y social, pero con un acento más propagandístico.

A mi llegada a la ciudad de Nueva York aquí se produce un rompimiento total. El sentimiento, la nostalgia, más el proceso de adaptación en medio totalmente diferente, me llevan a la utilización de colores fuertes, el predominio del rojo y azul intenso se apoderan del lienzo. En esta nueva etapa se produce una lucha entre elementos que nunca fueron utilizados en mi obra y que aparecían automáticamente, inadvertidos… como si fuesen seres que estuviesen atrapados por la angustia y el enojo. 

Años mas tarde, entonces reinicio una etapa marcada en torno a la identidad Afrocaribeña. Vale mencionar que es una etapa conflictiva entre mi intención de promover los elementos y los rasgos que aportaron los esclavos en las islas y la aceptación de estas manifestaciones en el oeste de Michigan. Muchas de ellas fueron rechazadas, e incluso fui tildado de loco en una muestra de arte realizad en la ciudad de Holland.

En el día de hoy existe un respeto por mi trabajo. Este proceso fue logrado gracias a la persistencia y la dedicación que desde temprana edad había cultivado.

el arte es uno de los componentes más importantes de la cultura.

como exploración de las sensibilidades de una época, como quien intenta comprobar cuáles son las perspectivas personales más usuales en un período determinado.

¿Qué ha sido para ti emigrar?

Un paso que produjo mucho trauma en principio. El proceso de adaptación tomó mucho tiempo por el hecho de reiniciar un estilo de vida y costumbres.

¿Por qué dejaste de tu país y por qué Grand Rapids?

La venta del sueño americano en Latinoamérica es una propuesta publicitaria. Por razones políticas y sociales, en nuestra familia nunca existió el deseo o la iniciativa de vivir en Estados Unidos. En un momento determinado, mi padre inicio una campana de comenzar una nueva vida llena de oportunidades. Este proyecto costó mucho dinero y más o menos quince años de nuestras vidas. Parece algo chistoso. Al llegar a Nueva York, pude sentir de cómo la ciudad estaba absorbiendo mucha parte de mi mismo, puesto que yo rehusaba a entrar al modus vivendi de muchos caribeños allí, entonces de manera sorpresiva, recibí una invitación de un amigo a conocer esta ciudad como alternativa, heme aquí dieciocho anos después.

¿Qué ha sido para ti Michigan?

El arte es uno de los componentes más importantes de la cultura. Al igual que el pan de la educación; he podido notar que los padres relegan este trabajo a las escuelas. La gran mayoría de nuestros “lideres” ignoran el papel y las funciones claves de las artes para el desarrollo del ser humano y de las sociedades. El estado de Michigan ha sido una plataforma importante para mis proyectos de arte. Sin embargo, debo aclarar que el apoyo al arte y la cultura podría ser el ultimo elemento importante a considerar en la agenda tanto del sector privado como del sector público.

¿Qué te hace rememorar la cultura taina en tus obras?

Las primeras representaciones artísticas de nuestros ancestros transmiten la identidad de una cultura olvidada. En lo personal, promover y llevar a cabo un trabajo de promoción, educación e incluso rescatar la memoria de las víctimas que fueron producto del mal llamado descubrimiento de América, reviste de mucha importancia.

Las obras de Eric Picardo se pueden encontrar en diferentes partes de la ciudad de Grand Rapids, en paredes y murales.

Luego de los disturbios del 30 de mayo en el centro de la ciudad en los que cientos negocios fueron destruidos, Picardo se dedicó a pintar sobre la madera que reemplazó temporalmente a los cristales rotos interesantes obras que transformaron la destrucción en una agradable vista para contar.

Protagonizado por la "Mujer salvaje del arpa" (“Wild Woman of the Harp”), Deborah Henson-Conant

GRAND RAPIDS, MICHIGAN, 6 de julio de 2020 - La primera vez que la "Mujer salvaje del arpa" llegó al escenario de la Sinfónica de Grand Rapids, la audiencia quedó electrificada.

Vestida con botas vaqueras y una minifalda corta de cuero, cintas largas de pelo de color marrón y turquesa que le caían por la espalda, atada a un arpa eléctrica, Deborah Henson-Conant aún no había tocado una nota. Pero ya la Grand Rapids Symphony y su audiencia sabían que algo muy especial estaba por suceder.

En unos pocos años, Henson-Conant y la orquesta habían grabado Invention & Alchemy, un disco compacto y DVD que llevó a Grand Rapids Symphony a una nominación al Grammy y reconocimiento nacional por el especial de televisión ampliamente visto en PBS TV.

El arpista con sede en Boston, una vez descrito como el "hijo amoroso de Andre Previn y Lucille Ball", regresa con Grand Rapids Symphony para el estreno virtual en línea de Invention & Alchemy. El DVD original de 97 minutos, grabado en vivo en DeVos Performance Hall, se estrenará a las 7 p.m. Viernes 10 de julio, en YouTube, disponible solo en base a RSVP. Haga clic aquí para confirmar su asistencia para la recaudación de fondos para la Sinfónica de Grand Rapids.

Un estreno encore sigue el sábado 11 de julio a las 2 p.m. ET en los Estados Unidos e internacionalmente a las 7 p.m. en el Reino Unido.

La transmisión a pedido estará disponible del 12 al 17 de julio en YouTube. Conéctese y confirme su asistencia para el estreno del 10 de julio y reciba acceso a videos detrás de escena y eventos en línea.

Invention & Alchemy presenta canciones e historias originales de Henson-Conant, interpretadas con el director de orquesta David Lockington que dirige la Sinfonía de Grand Rapids, en una amplia variedad de géneros musicales.

“Fue una fantasía mía. Literalmente tuve un sueño”, recordó Henson-Conant. "Soñé que me encogía, me ponía un arpa y lo tocaba frente a una orquesta sinfónica".

El DVD fue grabado en vivo en noviembre de 2005 en DeVos Performance Hall.

"Cuando comenzamos este proyecto, sabíamos lo que queríamos hacer, y luego tuvimos una lista de sueños", dijo Henson-Conant. "Uno fue un especial de PBS TV y otro fue una nominación al Grammy".

En 2006, Invention & Alchemy se convirtió en uno de los cinco CD nominados en la categoría de Mejor álbum de crossover clásico para la 49a entrega anual de los premios Grammy en febrero de 2007.

"Fue muy emocionante estar aquí y tener este proyecto nominado", dijo Henson-Conant a The Grand Rapids Press en febrero de 2007. "Solo llegar aquí ha sido increíble".

Pero a partir de unas semanas más tarde, Invention & Alchemy fue visto en todo Estados Unidos como un especial de televisión de una hora. Durante los siguientes dos años, se vio en más de 70 estaciones de PBS-TV de costa a costa.

"Tengo que hacer algo que casi ningún compositor-artista puede hacer, que es dar vida a su trabajo en ese nivel de profesionalismo", dijo Henson-Conant. "El nivel al que PBS pudo tomarlo exactamente como lo creamos y transmitirlo en todo Estados Unidos".

Varios músicos y ex músicos de Grand Rapids Symphony son solistas destacados en el espectáculo, y toda la orquesta entra en el acto para un mini-drama disfrazado de ciencia ficción titulado "Danger Zone".

Con el director asociado John Varineau en el podio, Lockington on chelo se une a Henson-Conant para un fascinante diálogo titulado "996", que Henson-Conant describe como la noche en que Scheherazade, de la clásica historia "A Thousand and One Nights", finalmente se derrite El corazón del sultán.

El filántropo de Grand Rapids Peter Wege, quien murió en julio de 2014, fue el principal suscriptor del proyecto de $500,000. Henson-Conant fue presentada a la ex ejecutiva de Steelcase, Inc., después de su primera actuación en Grand Rapids.

Peter me dijo: "Lo que vi en el escenario, quiero que todo el mundo lo vea", recordó Henson-Conant.

"Cuento la historia desde el escenario, a menudo, que conocer a Peter fue mi historia de Cenicienta", dijo Henson-Conant. “Parte de lo que me encantó del proyecto fue que sentí que era algo que Peter y yo estábamos haciendo juntos. Que como filántropo y artista, estábamos trayendo algo al mundo que ninguno de nosotros podría aportar ".

GRAND RAPIDS, MICHIGAN - El Museo Público de Grand Rapids (GRPM) anunció que una nueva exposición llegará al Museo desde el Smithsonian, Outbreak: Epidemics in a Connected World, a partir del sábado 1 de agosto de 2020. La exposición destaca cómo los patógenos puede propagarse a las personas de la vida silvestre y el ganado, por qué algunos brotes se convierten en epidemias y cómo la salud humana, animal y ambiental están conectada.

"Como institución educativa, es importante que el Museo organice una exhibición que sea relevante para los eventos de hoy", dijo el Dr. Cory Redman, Curador de Ciencias de GRPM. "A través de una experiencia de exhibición informativa e inmersiva, se compartirá información relacionada con la pandemia COVID-19, junto con historias enviadas por la comunidad de West Michigan sobre cómo esta crisis de salud actual ha afectado la vida cotidiana".

Outbreak presenta paneles informativos y videos que cubren brotes como Zika, Ébola, Influenza y nueva información relacionada con COVID-19. Los visitantes aprenderán sobre el proceso de vacunación, los estigmas asociados con ciertas enfermedades infecciosas, los diferentes roles que los miembros de la comunidad y las asociaciones internacionales asumen para ayudar a evitar que los brotes se conviertan en epidemias y más. El Museo también incluye una sección relacionada con su proyecto de documentación comunitaria de la vida cotidiana durante COVID-19.

"Queremos que las personas en todos los países y entornos tengan herramientas de comunicación efectivas sobre enfermedades infecciosas y salud", dijo Sabrina Sholts, comisaria principal de la exposición y comisaria del Departamento de Antropología del Museo Nacional de Historia Natural. "Vemos esto como una oportunidad extraordinaria para crear conciencia sobre los riesgos de pandemia y hacer que todos estén más seguros en nuestro mundo conectado".

El brote se ubicará en el segundo piso del GRPM y es gratuito con entrada general al Museo. La exposición se presenta en inglés y español. Outbreak estará en exhibición desde el sábado 1 de agosto de 2020 hasta el domingo 18 de octubre de 2020.

El GRPM está abierto y da la bienvenida a los visitantes para explorar los tres pisos de las exhibiciones principales, junto con Bodies Revealed, extendido hasta el 27 de septiembre. Capacidad limitada; Se requiere boleto anticipado. Para obtener detalles adicionales sobre la nueva experiencia de los visitantes de GRPM, visite grpm.org.

La exposición de Outbreak

Más de 100 lugares en más de 30 países han exhibido " Outbreak ", incluidas universidades, bibliotecas, hospitales, aeropuertos, embajadas, centros comunitarios y museos. Está disponible en varios idiomas, incluidos francés, español, árabe moderno y chino simplificado y tradicional. El Museo Nacional de Historia Natural del Smithsonian es uno de los museos de historia natural más visitados del mundo. El " Outbreak " se inauguró en el museo el 18 de mayo de 2018, en conmemoración del centenario de la pandemia de influenza de 1918, y permanecerá en exhibición hasta 2021.

El 29 de junio de 2020, el 'Tríptico inspirado por el Oresteia de Esquilo' de Francis Bacon se subastó por 84,6 millones de dólares (75 millones de euros) en Sotheby's, en un evento de subastas globales que alcanzó un total de 363.2 millones de dólares.

Francis Bacon fue un pintor de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional

Francis Bacon realizó algunas de las pinturas más impactantes y desgarradoras del arte contemporáneo.

La obra pictórica de Francis Bacon se inscribe en el marco de la pintura figurativa realizada después de la Segunda Guerra Mundial, el así denominado "arte de posguerra"

A la pintura de Bacon también se la considera en términos de "Arte Existencialista". Y, si bien todas las designaciones mencionadas son pertinentes en el caso de Bacon (y a veces incluso complementarias entre ellas), lo cierto es que la pintura de Bacon suele por lo general resistirse a ser clasificada. Y ello no es accidental: a lo largo de su carrera como pintor, Bacon declaró no pertenecer a ningún movimiento artístico, sin por otra parte alinearse o identificarse con ninguno ellos. Solo Picasso representaba para Bacon la gran fuerza creadora e inspiradora, el referente artístico potente por excelencia y el punto de partida para toda posible contribución del anglo-irlandés en su quehacer plástico. En efecto, Bacon se inició en el arte desarrollando una línea pictórica postpicasiana y basándose en la vía abierta que Picasso dejó entre la figuración y la desfiguración.47​

Bacon plasmó considerable angustia en sus cuadros. Trabajó la representación de la figura humana pero desfigurándola y posicionándola en espacios cerrados e indeterminados.

Inicialmente la pintura de Bacon involucró una enorme tensión y una imaginería rayana al sensacionalismo; con el correr de los años, la tensión gradualmente tendió a mermar en su obra y el pintor llegó a crear imágenes que continuaron en cierta medida siendo inquietantes pero que también resultaban exultantes de esteticidad. La teatralidad y la magnificencia fueron dos factores cruciales en la producción artística de Bacon y, en buena parte, fue gracias a estos aspectos de su obra que Bacon alcanzó el éxito como pintor.​

Según Bacon, su arte es en gran medida autobiográfico. Pero para desarrollarlo, Bacon recurrió a un sinnúmero de imágenes provenientes de la Historia del Arte, los medios de comunicación masiva, y fotografías e ilustraciones médicas provenientes de manuales diversos.​

Algunas de sus primeras obras reflejan influencias de Picasso, otras incorporan elementos provenientes de la imaginería de Grünewald, Poussin, Rembrandt, Soutine y Cimabue; otras más poseen sus referentes en aquellas de Velázquez, Van Gogh, Miguel Ángel, Degas, Goya o Ingres.​ Pero en todos los casos, las fuentes de inspiración son drásticamente transformadas y trascendidas por la propia intervención de Bacon.​ 

Crucifixión y animalidad, aislamiento y cópula, aprensión y crisis, deterioro, soledad, nostalgia y muerte son algunos de los temas frecuentemente abordados por Bacon en su imaginería pictórica.​ En no pocas de sus pinturas Bacon evoca la violencia de la Segunda Guerra Mundial, entremezclándola con vivencias íntimas suyas. En su serie de Crucifixiones (1933-1968) y en un cuadro titulado Cabeza rodeada de flancos bovinos de 1954,53​ Bacon rememora tangencial e insistentemente aquello que lo obsesiona: la agresividad del ser vivo y aquello que él entiende como su innata e inexorable inclinación hacia la violencia.

El evento en Sotheby's consistió en una serie de tres subastas, realizadas remotamente por el presidente y subastador Oliver Barker desde Londres, recibiendo ofertas de los especialistas de Sotheby's desde Nueva York, Hong Kong y Londres, así como de los potenciales compradores en línea.La subasta contemporánea fue liderada por una obra maestra de Francis Bacon "Tríptico inspirado en el Oresteia de Esquilo", de 1981, que se subastó por 84.6 millones de dólares (75 millones de euros), marcando el tercer precio más alto por una obra del artista en subasta. Inspirado en la trilogía de tragedias griegas de Esquilo, que datan del siglo V a. C., el tríptico se erige como una de las obras más ambiciosas, enigmáticas e importantes de la obra de Bacon, y es un hito del arte del siglo XX.

La obra maestra de Jean-Michel Basquiat 'Sin título (Cabeza)' alcanzó los 15,2 millones de dólares, marcando un nuevo récord mundial de subasta para una obra sobre papel del artista, así como el precio más alto de Sotheby's para una obra vendida a un postor en línea.

La subasta final de la noche contó con 11 obras de "The Vanguard Spirit", que en conjunto lograron 26,6 millones y establecieron 5 nuevos récords mundiales de subasta. La colección representa uno de los conjuntos privados más distinguidos de arte surrealista y moderno de América Latina que haya aparecido en una subasta. La obra más destacada fue "Omi Obini" de Wifredo Lam de 1943, que se vendió por 9,6 millones, un nuevo récord mundial de subasta para Lam.